Art

Μια Μπιενάλε της Σκιάς και του Φωτός της Whitney

Μετά από ένα χρόνο καθυστέρησης για τον Covid, η τελευταία Μπιενάλε της Whitney ξεκίνησε στην πόλη και είναι ένα ευπρόσδεκτο θέαμα. Άλλες πρόσφατες εκδόσεις—αυτή είναι η 80η ανάλογη συλλογή—είχαν την τάση να είναι θορυβώδεις, ταραχώδεις, νεανικές υποθέσεις. Αυτό, ακόμη και με πολλούς νέους καλλιτέχνες μεταξύ των 60 και πλέον συμμετεχόντων, που οι περισσότεροι εκπροσωπούνται από ολοκαίνουργια έργα που έχουν δημιουργηθεί με lockdown, δεν διαβάζεται έτσι. Είναι μια ιδιαίτερα ζοφερή παράσταση που σκέφτεται ενήλικες, μια παράσταση με τρία χρόνια συγκλονιστικής ιστορίας που χαρακτηρίζεται από κοινωνικό διχασμό, ρατσιστική βία και αδυσώπητη θνησιμότητα.

Διοργανωμένο από δύο έμπειρους επιμελητές της Whitney, τον David Breslin και την Adrienne Edwards, ο τίτλος της Μπιενάλε, “Quiet as It’s Kept” – μια καθομιλουμένη φράση, προερχόμενη από τον Toni Morrison, που δείχνει σκοτεινές πραγματικότητες που δεν ειπώθηκαν – υποδηλώνει τον περιορισμένο τόνο της σειράς. Η ίδια η εμφάνισή του δίνει μια ένδειξη για τη διάθεσή του: Η κύρια εγκατάστασή του, στον 5ο και 6ο όροφο του Μουσείου Αμερικανικής Τέχνης Whitney, είναι κυριολεκτικά χωρισμένη μεταξύ σκιάς και φωτός.

Για την περίσταση, το μουσείο έχει αφαιρέσει σχεδόν όλους τους διαχωριστικούς τοίχους στον πέμπτο όροφο του, ανοίγοντας τον χώρο του στο Μανχάταν από άκρη σε άκρη – από τον ποταμό Hudson μέχρι το High Line – και απλώνει την τέχνη σε μονάδες που μοιάζουν με νησιά. Η διάταξη δεν είναι όμορφη. έχει μια μπερδεμένη εμφάνιση σε χώρο πωλήσεων. Αλλά μου έφερε στο μυαλό, για μένα, μια ήσυχα ουτοπική στιγμή του κόσμου της τέχνης.

Το 2009, μια τοπική μη κερδοσκοπική οντότητα με την επωνυμία X Initiative, αποτελούμενη από καλλιτέχνες, εμπόρους και επιμελητές, διοργάνωσε μια εκδήλωση στο Chelsea, όχι μακριά από τη σημερινή Whitney, με τίτλο «No Soul for Sale: A Festival of Independents». Συγκέντρωσε δεκάδες εναλλακτικές γκαλερί και οργανισμούς κάτω από μια στέγη και χρησιμοποίησε ακριβώς αυτή τη μορφή χωρίς όρια – μια που εξαφάνισε τα περίπτερα και τα VIP lounge σε στιλ art fair, για να μην αναφέρουμε τα τέλη εισόδου – και άφησε την τέχνη και το κοινό της να αναμειγνύονται ελεύθερα, μοιράζονται κοινό αέρα και φως. (Το Independent Art Fair της πόλης υιοθέτησε αρχικά το μοντέλο χωρίς τοίχους αλλά σύντομα το εγκατέλειψε.)

Όπως τόνισαν οι επιμελητές σε δηλώσεις τους για την παράσταση, η ιδέα των ορίων και η απαλλαγή από αυτά ήταν σημαντική για τη σκέψη τους σχετικά με αυτήν την μπιενάλε, ξεκινώντας με ερωτήσεις (που τέθηκαν επίσης από την έκδοση του 2019) για το πώς να καταρρίψουν το γεωπολιτικά σύνορα που παραδοσιακά καθόρισαν και οριοθετούσαν την εκδοχή της «αμερικανικής τέχνης» της Whitney.

Από τους καλλιτέχνες του 2022, τρεις ζουν και εργάζονται στο Μεξικό (Mónica Arreola, Alejandro Morales και Andrew Roberts) και δύο στον Καναδά (Rebecca Belmore και Duane Linklater, οι οποίοι και οι δύο είναι ιθαγενής κληρονομιάς). Πάνω από δώδεκα γεννήθηκαν εκτός των ηπειρωτικών ΗΠΑ. μερικοί εξακολουθούν να ζουν αλλού με μερική απασχόληση. Ο ένας, ο Ραγιάν Ταμπέτ, ο οποίος αναφέρει τη Βηρυτό και το Σαν Φρανσίσκο ως το σπίτι του, βρισκόταν στη διαδικασία υποβολής αίτησης για αμερικανική υπηκοότητα όταν γινόταν η συναρμολόγηση της Μπιενάλε, και σε μια σειρά κειμένων που δημοσιεύτηκαν εντός και εκτός του μουσείου, αποσπάσματα από την επίσημη πολιτογράφηση των ΗΠΑ. δοκιμή.

Τα σύνορα στα μέσα τέχνης είναι επίσης ανακατεμένα. Οι επιμελητές έχουν εκφράσει έντονο ενδιαφέρον —εν μέρει, θα έλεγα, ως αντίδραση στην τρέχουσα προσήλωση της αγοράς στη ζωγραφική — για την αφαίρεση ως απελευθερωτικό τρόπο, που μπορεί να απελευθερώσει την τέχνη από συγκεκριμένες κοινωνικές και πολιτικές έννοιες, αλλά και — ήσυχη καθώς διατηρείται — να τα φιλοξενήσει.

Οι ζωγράφοι μιας παλαιότερης γενιάς, ο James Little και η Denyse Thomasos (1964-2012), των οποίων το έργο φαίνεται να εμπίπτει σε μια μοντερνιστική παράδοση «καθαρής» αφαίρεσης πάνω στην οποία οικοδομήθηκε η ίδια η Whitney, απεικονίζει αυτή τη δυναμική. Δύο θεαματικές φωτογραφίες του γεννημένου στο Τρινιντάντ Thomasos αφορούν ζωγραφική χειρονομία, αλλά είναι επίσης όλες για την ιστορία της αιχμαλωσίας των Μαύρων, στο παρελθόν και στο παρόν, όπως αποκαλύπτουν οι τίτλοι τους — «Displaced Burial/Burial at Goree» και «Jail» .

Ο Λιτλ, που εμφανιζόταν για δεκαετίες με την παλαίμαχη γκαλερίστα της Νέας Υόρκης Τζούν Κέλι και τώρα προσελκύει μεγάλη προσοχή, αφήνει επίσης τους τίτλους να αφηγηθούν μια ιστορία. Στο μαγικό, ολόμαυρο, λαδί και κερί «Stars and Stripes» (2021), είναι δύσκολο να πούμε εάν οι ράβδοι που συνθέτουν το γεωμετρικό του μοτίβο συγκλίνουν ή συγκρούονται.

Από την άλλη αφηρημένη ζωγραφική της παράστασης, αυτά που ενδιαφέρουν είναι αυτά που αγγίζουν άλλους κλάδους. Δύο μεγάλοι πίνακες του Linklater χρησιμοποιούν φόρμες tepee ως πρότυπο. Κρεμαστά που μοιάζουν με ταπισερί από την καλλιτέχνιδα Lisa Alvarado κατασκευάστηκαν ως περιβάλλοντα για μουσικές παραστάσεις στις οποίες συμμετέχει. Η Πορτορικανή καλλιτέχνις και χορογράφος Awilda Sterling-Duprey, που είναι στα 70 της και συγκαταλέγει τον John Cage και την αφροκουβανέζικη θρησκευτική τελετουργία μεταξύ των επιρροών της, ζωγραφίζει χορεύοντας, με δεμένα μάτια, σε ηχογραφήσεις τζαζ. (Τα τρία κομμάτια της στην παράσταση εκτελέστηκαν επιτόπου στο μουσείο.)

Η παράσταση συγχωνεύεται με την αφηρημένη γλυπτική σε ένα βίντεο από τον αξιόλογο Dave McKenzie, τον οποίο βλέπουμε να αυτοσχεδιάζει μπαλετικές συναντήσεις με αδέσποτα αντικείμενα στο στούντιό του, όπου φαίνεται να έχει περάσει πολύ χρόνο lockdown. Και ο Alex Da Corte αναδεικνύει ένα είδος επίσημης trifecta σε ένα βίντεο του 2022 στο οποίο υποδύεται πολλαπλούς ρόλους (Marcel Duchamp, ο Τζόκερ), ενώ αγκαλιάζει ιστορικά γλυπτά (του Brancusi) και παραμορφώνει —δηλαδή, ξαναζωγραφίζει— ιστορικές εικόνες, το Gainsborough «The Blue Boy» ανάμεσά τους.

Κάθε Μπιενάλε παράγει τουλάχιστον ένα αγαπημένο κοινό, συχνά ένα βίντεο. Το κομμάτι Da Corte – αστείο, ανατριχιαστικό, με πλούσια παραγωγή – είναι φυσικό υποψήφιο. (Βεβαίως, το τεσσάρων καναλιών “Descent into Hell” του Jacky Connolly, σχετικά παράξενο, αλλά στη σφιχτή του μορφή, πιο δύσκολο να το δει κανείς, θα πρέπει επίσης να κυκλοφορεί.) Αντίθετα, αυτό που είναι λιγότερο πιθανό να τραβήξει την προσοχή είναι η εργασία σε ένα διαφορετικό μέσο – γλώσσα, οπτική και προφορική – αν και η παράσταση είναι πλούσια σε αυτό. Είναι στους πίνακες της Jane Dickson με αστική σήμανση. στα βιντεοκείμενα του Tony Cokes που αναβοσβήνουν γρήγορα («How ​​to mourn mass death?», «I CN’T BRTH») και στο σχέδιο και τους πίνακες του Ralph Lemon που υποδηλώνουν ένα είδος κοσμικής χορευτικής σημειογραφίας. Τα περισσότερα από αυτά βρίσκονται στον 5ο όροφο, αν και η κύρια συγκέντρωση της τέχνης που βασίζεται στη λέξη είναι στον 6ο όροφο, όπου οι διαχωριστικοί τοίχοι είναι ψηλοί, τα φώτα της γκαλερί είναι χαμηλά και η ψυχή αυτής της Μπιενάλε είναι εστιασμένη.

Κατά μία έννοια, το πολιτικό πνεύμα αυτής της Μπιενάλε που έχει επίγνωση των συνόρων, της ιστορίας και των ομοϊδεατών που έχουν προηγηθεί, έχει ξεπηδήσει από μια ενιαία δηλωτική πρόταση οκτώ λέξεων – «Δεν μπορώ να φανταστώ ποτέ να θέλω να είμαι λευκός ” — το οποίο, αμφιλεγόμενα, τυπώθηκε σε μεταλλικές ετικέτες εισαγωγής που έγιναν για την έκδοση του 1993. Η φράση και οι ετικέτες συνελήφθησαν από τον καλλιτέχνη και προβοκάτορα Daniel Joseph Martinez, ο οποίος αργότερα συνέβαλε στο σόου του 2008, και το κάνει ξανά στο παρόν.

Για τη νέα του δουλειά του 2022, φωτογράφισε τον εαυτό του με την (προσθετικά βελτιωμένη) μάσκα πέντε ποπ-πολιτιστικών «μετα-ανθρώπινων» αντιήρωων, συμπεριλαμβανομένων των Frankenstein, Count Dracula και του Alien Bounty Hunter από το «The X-Files». Αλλά αυτό που κάνει το κομμάτι εντυπωσιακό είναι μια δήλωση που συνοδεύει τις εικόνες, μια καυστική ένδειξη της ανθρώπινης φυλής ως το «απόλυτο χωροκατακτητικό είδος» της γης, ένα είδος που πρόκειται να αυτοκαταστραφεί και να πάρει μαζί του κάθε άλλο ζωντανό ον.

Ο εσχατολογικός τόνος του έργου βρίσκει μια απήχηση στον τεντωμένο λογαριασμό βίντεο του Alfredo Jaar, γεμάτο με ειδικά εφέ, της αστυνομικής επίθεσης του 2020 σε διαδηλωτές στην Ουάσιγκτον και υπάρχει ένας τόνος πένθους για το τέλος του χρόνου στο «Your Eyes Will Be an Empty Word» της Coco Fusco. Μια περιοδεία βίντεο με αφήγηση στο νησί Χαρτ, το τεράστιο δημόσιο νεκροταφείο στον ποταμό East River που, για πάνω από έναν αιώνα, δέχεται τα πτώματα των αζήτητων νεκρών της Νέας Υόρκης, μεταξύ των οποίων και θύματα του Covid.

Οι Μπιενάλε είναι, σχεδόν εξ ορισμού, εκδηλώσεις της εποχής (και περιλαμβάνουν την πολιτική του τώρα: οι συνδικαλιστές εργάτες της Whitney που αναζητούν υψηλότερους μισθούς δημοσίευσαν φυλλάδια για τα VIP εγκαίνια αυτής της Μπιενάλε αυτήν την εβδομάδα). Αυτά τα συμβάντα σπάνια κυκλοφορούν με μια ματιά προς τα πίσω. Αλλά αυτό το κάνει. Το βίντεο του Φούσκο είναι ένας διαλογισμός για το τι έχει εξαφανιστεί και συνεχίζει. Το βίντεο πορτρέτο του Adam Pendleton της θεολόγου και ακτιβίστριας κοινωνικής δικαιοσύνης Ruby Nell Sales είναι ένας συγκλονιστικός φόρος τιμής σε μια μακρά, γενναία προσωπική ιστορία που συνεχίζεται μέχρι σήμερα. Η εντελώς εξαιρετική γλυπτική εγκατάσταση του Jonathan Berger «An Introduction to Nameless Love», ένα γιγάντιο βιβλίο φτιαγμένο από γράμματα κομμένα από κασσίτερο, είναι ένα είδος «Lives of the Saints». Μερικοί από αυτούς τους αγίους είναι ακόμα μαζί μας, κάποιοι όχι.

Και ένα ηχητικό κομμάτι που ονομάζεται “Silent Choir” από τον καλλιτέχνη Ναβάχο Ράβεν Τσάκον – ένας από μια ομάδα εξαιρετικών ιθαγενών Αμερικανών συμμετεχόντων σε αυτήν την Μπιενάλε – είναι ένα ντοκουμέντο του παρελθόντος που δεν μοιάζει με κανένα άλλο εδώ. Είναι μια ηχογράφηση του 2016 που έγινε κατά τη διάρκεια μιας σιωπηλής αγρυπνίας — μια πράξη «ηχητικής αντίστασης» είναι ο όρος του Chacon — που οργανώθηκε από γυναίκες που διαμαρτύρονταν για τον αγωγό Dakota Access Pipeline κοντά στο Standing Rock, ND Με μόνο ήχο θρόισμα και αναπνοή και περιστασιακά βουητά ελικοπτέρων σπάζοντας τη σιωπή, είναι ένα βαθιά συγκινητικό κομμάτι της ιστορίας-σχεδόν-δεν-εκεί.

Συγκινητικά, επίσης, είναι ένα ζευγάρι αφιερώματα σε πολιτιστικές προσωπικότητες από το παρελθόν που κλείνουν την παράσταση. Μια φιγούρα είναι η καλλιτέχνης Theresa Hak Kyung Cha. Γεννημένη στη Νότια Κορέα το 1951, μετανάστευσε με την οικογένειά της στις Ηνωμένες Πολιτείες το 1962. Στο τέλος εκείνης της θυελλώδους δεκαετίας —το κίνημα διαμαρτυρίας των φοιτητών βρισκόταν σε βρασμό, το φεμινιστικό κίνημα ξεκινούσε— σπούδαζε τέχνη, κινηματογράφο και λογοτεχνία στο το Πανεπιστήμιο της Καλιφόρνια στο Μπέρκλεϋ και άρχισε να κάνει πειραματική εργασία και στους τρεις τομείς. Αυτή η δουλειά την οδήγησε στο Παρίσι, μετά πίσω στην Κορέα και τελικά στη Νέα Υόρκη, όπου παντρεύτηκε τον φωτογράφο Richard Barnes το 1982. Στις 5 Νοεμβρίου εκείνης της χρονιάς, πήγε να τον συναντήσει στο Puck Building στο Soho και ήταν βιάστηκε και δολοφονήθηκε από έναν φύλακα εκεί. Ήταν 31.

Στα χρόνια που πέρασαν, η φωτεινή τέχνη και η γραφή της έχουν αποκτήσει τεράστια επιρροή μεταξύ των νέων καλλιτεχνών. Και η μίνι έρευνα της Μπιενάλε, που στεγάζεται σε μια μικρή λευκή σκηνή στον πέμπτο όροφο, δίνει μια καλή αίσθηση, με παραδείγματα από τα χειρόγραφα σημειωματάρια της και τα βίντεο. Σε ένα, το πρόσωπο της αδερφής της Μπερναντέτ έλαμψε επανειλημμένα, για λίγα λεπτά, στην οθόνη. Ύστερα ξαφνικά εμφανίζεται ένα διαφορετικό πρόσωπο – αυτό της ίδιας της καλλιτέχνιδας – αλλά μόνο μια φορά και μετά χάνεται.

Το άλλο αφιέρωμα, στον 6ο όροφο, έχει αρκετά διαφορετικό χαρακτήρα: είναι για έναν άνθρωπο, ένα μέρος και ένα συλλογικό έργο. Ο άντρας ήταν ο Steve Cannon (1935-2019), ένας συγγραφέας και δάσκαλος της Νέας Υόρκης που δραστηριοποιήθηκε στη λογοτεχνική συλλογικότητα των Μαύρων στο κέντρο της πόλης Umbra τη δεκαετία του 1960. (Ο ποιητής NH Pritchard, του οποίου τα χειρόγραφα διακοσμημένα χειρόγραφα εμφανίζονται στην Μπιενάλε, ήταν επίσης ένα από τα πρώτα μέλη.) Το μέρος ήταν το αρχοντικό του Cannon’s East Village — το σπίτι, ξεκινώντας από τη δεκαετία του 1990, σε ένα έργο που ονομάζεται A Gathering of the Tribes, το οποίο περιελάμβανε μια γκαλερί τέχνης, ένας χώρος παραστάσεων και ένα περιοδικό τέχνης που εξακολουθεί να κυκλοφορεί στο διαδίκτυο.

Με τα χρόνια, αμέτρητοι καλλιτέχνες, μουσικοί και συγγραφείς πέρασαν από την πόρτα του Tribes, που δεν έκλεισε ποτέ. Και ο Cannon, που ήταν τυφλός, ήταν πάντα εκεί, έτοιμος να δώσει και να πάρει ιδέες, ενθουσιασμούς, απόψεις. Η Μπιενάλε έχει αναδημιουργήσει ή επανασχεδιάσει το σκηνικό του διαμερίσματος, φέρνοντας παλιά έπιπλα, τοποθετώντας μια τοιχογραφία από τον φίλο της Cannon, τον καλλιτέχνη David Hammons, και συμπεριλαμβάνοντας προσωπικά αντικείμενα, όπως το πάντα παρόν τασάκι της Cannon, μαζί με στοίβες από βιβλία, σημειωματάρια και περιοδικά που γέμισαν τον τόπο. Εν ολίγοις, φέρνει στο νου το φάντασμα μιας ουτοπικής κατάστασης. Το ότι μια Μπιενάλε, μια συνταγματική επιχείρηση της στιγμής, θα το έκανε αυτό, λέει κάτι για το στοχαστικό πνεύμα που ξεχωρίζει αυτή την έκδοση.


The Whitney Biennial 2022: Quiet as It’s Kept

Προεπισκοπήσεις μελών, 31 Μαρτίου-4 Απριλίου. Ανοιχτό για το κοινό, 6 Απριλίου-Σεπτ. 15. Whitney Museum of American Art, 99 Gansevoort Street, Manhattan; 212-570-3600; whitney.org. Απαιτούνται χρονομετρημένα εισιτήρια.

About the author

admin

Leave a Comment