Art

Ανασκόπηση τέχνης: Οι πίνακες ζωγραφικής και τα σχέδια με σχήματα αντιπροσωπεύουν το φάσμα της καλλιτεχνικής ερμηνείας

Thaddeus Radell, «Prodigal Son», 2022, λαδοπαστέλ, γραφίτη και κηρομπογιές σε χαρτί Μπρίστολ, 18 x 24 ίντσες Φωτογραφία από την Erin Little

Πάντα με προβληματίζει πώς οι άνθρωποι κατηγοριοποιούν τα είδη τέχνης (ή σχεδόν οτιδήποτε πραγματικά) ως καλά ή κακά ή καλύτερα – ειδικά όταν πρόκειται για την αφαίρεση έναντι της παραστατικής. «Δεν υπάρχει ανάγκη στην τέχνη γιατί η τέχνη είναι δωρεάν», είπε ο Βασίλι Καντίνσκι και δεν μπορούσα να συμφωνήσω περισσότερο. Εάν χρειάζεστε αποδείξεις για το ανούσιο που κρύβεται πίσω από την ανθρώπινη τάση μας για ιεραρχίες, δύο εκπομπές που καταλαμβάνουν τα αντίθετα άκρα αυτού του συγκεκριμένου φάσματος παρέχουν απόδειξη ότι και οι δύο έχουν ίση αξία.

Μια παράσταση είναι το “Leslie Parke: Beyond the Senses” στις γκαλερί Moss στο Falmouth (μέχρι τις 4 Ιουνίου). Το άλλο είναι το “Back to the Figure” στην γκαλερί Alice Gauvin στο Πόρτλαντ (μέχρι τις 28 Μαΐου). Αυτό που επιτυγχάνει ο Parke με την αφαίρεση δεν θα ήταν μόνο αδύνατο μέσω της εικονοποίησης. θα ήταν εκτός θέματος. Ομοίως, αυτό που κάνουν οι τέσσερις καλλιτέχνες (Simon Carr, Mark LaRiviere, Ying Li, Thaddeus Radell) στην παράσταση της Alice Gauvin είναι αμετάκλητα δεμένοι με τη φόρμα και τη σωματικότητα.

Σε στιγμές μεγάλης απορίας και σύνδεσης, είναι πιθανό να χάσουμε την αίσθηση του σώματός μας και να συγχωνευτούμε πλήρως με μια εμπειρία. Οι πνευματικοί δάσκαλοι και οι ασκούμενοι το γνώριζαν αυτό εδώ και αιώνες, αλλά όλοι πιθανότατα είχαν μια γεύση: να διαλυθούν τελείως σε μια αίσθηση αγάπης ή έκστασης ή να γίνουν η μουσική που ακούμε.

Το τελευταίο είναι ακριβώς αυτό που ώθησε τους αστραφτερούς, λεπτεπίλεπτα εμμονικούς πίνακες της Leslie Parke στο «Beyond». Σε ένα βίντεο, αφηγείται μια εμπειρία από το άκουσμα του μουσικού της τζαζ, Nick Hetko, όταν ξαφνικά, «Όλο το κοινό εξερράγη σε χρωματιστά χρώματα σε όλη την αίθουσα, σαν μικροσκοπικά κομμάτια από χρωματιστά κομφετί που επιπλέουν στον αέρα. Είναι σαν να είχα ενώσει με το κομφετί. Ήμουν επίσης ερεθισμένος».

Χωρίς σώμα, χωρίς μορφή – ούτε ένα φαινόμενο που μπορείς να εκφράσεις μέσω της εικονοποίησης. Οι προηγούμενοι για αυτούς τους πίνακες ήταν τοπία που ολοκλήρωσε η Parke σε μια κατοικία στο Giverny, την κοινότητα της Νορμανδίας που ενέπνευσε τα νούφαρα του Claude Monet. Εκεί ζωγράφισε κορμούς δέντρων και άκρα πίσω από πυκνά χωράφια με πιτσιλισμένα μπογιά. Το αποτέλεσμα ήταν δέντρα σε τέτοια αφθονία λουλουδιών που ο οπλισμός των δέντρων σχεδόν εξαφανίστηκε.

Leslie Parke, “Spring From the River”, λάδι, μεταλλικό χρώμα και ακρυλικοί μαρκαδόροι σε καμβά 33 1/2 x 78 3/4 in Φωτογραφία από τον Jon Barber

Κατά κάποιο τρόπο, οι πίνακες του Moss απλώς καταργούν κάθε οπλισμό για να επικεντρωθούν στα πιτσιλίσματα. Ένα έργο, το «Spring from the River», εξακολουθεί να διατηρεί την αίσθηση του τοπίου, αν και απλώς. Όλοι οι άλλοι καμβάδες (και υπάρχουν λίγοι πάρα πολλοί σε αυτόν τον χώρο, καθώς ο καθένας απαιτεί πραγματικά αέρα γύρω του για να απορροφήσει πλήρως τα καθηλωτικά του εφέ) είναι εντελώς αφηρημένοι, αν και μερικές φορές προκαλούν βροχή, σερπαντίνες, σειρές από χάντρες και, την περίπτωση της «Wisteria», μιας ανθισμένης αμπέλου.

Πολλά είναι υποβαμένα με μεταλλική χρωστική ουσία, η οποία δίνει στις επιφάνειες μια απόκοσμη λάμψη που είναι μαγευτική. Αλλά αυτό που είναι πιο εκπληκτικό καθώς πλησιάζεις τους καμβάδες είναι να συνειδητοποιείς ότι η Parke δεν έχει απλώς πιτσιλίσει μπογιές. Ο καλλιτέχνης επέστρεψε και σκιαγράφησε χιλιάδες από αυτές τις κηλίδες σε διαφορετικά χρώματα.

Αυτό είναι αδύνατο να εκτιμηθεί σε μια φωτογραφία γιατί συμβαίνει σε ένα τέτοιο μικροεπίπεδο. Καθώς θαύμαζα τον ελάχιστο βαθμό συγκέντρωσης και σχολαστικότητάς της, συνέχισα να σκέφτομαι ότι καθένα από αυτά τα περιγράμματα απαιτούσε μια επιλογή. Η Parke δεν αποφάσισε να συνορεύει όλα τα κόκκινα splatters με ροζ ή όλα τα μπλε sptters με μαύρο. Περικυκλώνονται ποικιλοτρόπως από μαύρο, πράσινο, λεβάντα κ.λπ.

Leslie Parke, “Wisteria”, λάδι, μεταλλικό χρώμα και ακρυλικός μαρκαδόρος σε καμβά, 60 x 70 ίντσες Φωτογραφία από τον Jon Barber

Τότε ήταν που έκανα ένα βήμα πίσω και άρχισα να εκτιμώ την εξαιρετική στοχαστικότητα και πρόθεση πίσω από τον τρόπο που η Parke έχει στρώσει χρώμα στις επιφάνειές της. Στη «Wisteria», για παράδειγμα – το πιο επιβλητικό και μεγαλύτερο έργο – το πάνω τρίτο του πίνακα είναι πυκνά στρωμένο με κάθε χρώμα στην παλέτα της. Αλλά η συγκέντρωση των μωβ λεπτών διαλύεται πιο κάτω, όπου ξαφνικά κυριαρχούν μακριές κίτρινες ίνες.

Σίγουρα μπορούμε να σκεφτούμε το μωβ ως άνθη και το κίτρινο ως τα κλήματα στα οποία προσκολλώνται. Αλλά στην πραγματικότητα, αυτή είναι απλώς μια ιδέα της μορφής. Η Parke μετουσιώνει την εμπειρία μας από τη φύση (όπως έκανε στο Giverny, αν και αγκυροβολημένη στην παραδοσιακή αναπαράσταση) σε κάτι πιο μυστικιστικά καθηλωτικό. Έχει πραγματικά ξεπεράσει τα όρια αυτού που μπορούν να αντιληφθούν τα μάτια μας, παραθέτοντας κάποιο βαθύτερο, παροδικό όργανο επίγνωσης που μας ενώνει απόλυτα με αυτή τη χλωρίδα στο πιο κυτταρικό επίπεδο.

Οποιαδήποτε αναπαράσταση εδώ θα μας κρατούσε στη διαρκή τροχιά του οικείου και αισθητικά ευχάριστου. Στη «Wisteria» του Parke, νιώθουμε την βαρυτική έλξη της γης προς τα κάτω, την αυθόρμητη δημιουργικότητα της φύσης, τη σύνθετη νοημοσύνη του σύμπαντος και το θαύμα αυτού και άλλων οργανισμών. Μείνετε σε αυτό αρκετό καιρό και εσείς επίσης –όπως ο Parke κατά τη διάρκεια της παράστασης του Hetko– μπορεί να νιώσετε τον εαυτό σας να διαλύεται σε εκατομμύρια σωματίδια.

Το “Back to the Figure” δεν αποφεύγει εντελώς την αφαίρεση. Στην πραγματικότητα, αυτοί οι καλλιτέχνες εξασκούν, όπως επισημαίνει η Gauvin στο υλικό του Τύπου, αυτό που ο καλλιτέχνης και θεωρητικός Louis Finkelstein ονόμασε «ζωγραφική αναπαράσταση». Όλα σπούδασαν στο Parsons στα τέλη της δεκαετίας του 1970 και στις αρχές της δεκαετίας του 1980, όταν η φιγούρα ως υποκείμενο απολάμβανε ανανεωμένης εκτίμησης (αφού αγνοήθηκε σε μεγάλο βαθμό σε ένα κύμα Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού). Υποστηρικτές αυτού του κινήματος ήταν αυτοί οι δάσκαλοι των καλλιτεχνών: ο Leland Bell, ο Paul Resika και ο Albert Kresch.

Πριν μιλήσω για λεπτομέρειες, ωστόσο, θέλω να αναγνωρίσω πόσο ευχάριστο είναι να βλέπεις μια παράσταση σχεδίου (η LaRiviere εκθέτει επίσης γλυπτική). Υπάρχει κάτι σχετικά με τις δυνατότητες εμψύχωσης της γραμμής και τη ζωντάνια ενός σκίτσου που συχνά υποτιμάται ως κατά κάποιο τρόπο «προπαρασκευαστικό». Αλλά τα σχέδια μπορούν να αισθάνονται άμεσα και ζωτικά με τρόπο που προσεγγίζει τον αυθορμητισμό της δημιουργίας. Εκτιμώ την προθυμία του Gauvin να επικεντρωθεί σε αυτή τη φόρμα.

Αυτοί οι καλλιτέχνες δεν επέστρεψαν στη φιγούρα σε ακαδημαϊκό πλαίσιο. Αντίθετα, αξιοποίησαν τη χειρονομία, το συναίσθημα και τη ζωηρή ενέργεια της αφαίρεσης για να δημιουργήσουν φιγούρες που αισθάνονταν δυναμικές, είτε συναισθηματικά είτε σωματικά (ή και τα δύο). Αυτή η μορφή απεικόνισης της φιγούρας έχει κάποιο προηγούμενο. Ιδιαίτερα τα πορτρέτα του Alberto Giacometti της δεκαετίας του 1960 είναι ένα εξαιρετικό παράδειγμα. Ο Τζιακομέτι ανακάτεψε λάδι και σχέδιο σε καμβά, δημιουργώντας έναν έξαλλο φρενίτιδα γραμμών και πινελιών που ένιωθε φορτισμένος – σαν οι φιγούρες του να εξέπεμπαν δυναμικά πεδία στατικού ηλεκτρισμού ή, αντίθετα, οι διαβρωτικές ενέργειες του κόσμου τις απειλούσαν απ’ έξω.

Ο Λι το κάνει αυτό απίστευτα αποτελεσματικά. Κυρίως ζωγράφος με χειρονομίες, φέρνει αυτή τη χειρονομία στα σχέδιά της. Αλλά η Λι σπούδασε επίσης καλλιγραφία στην γενέτειρά της, Κίνα, και είναι προφανές ότι σέβεται τις δυνατότητες εμψύχωσης της γραμμής. Τα πορτρέτα της από κάρβουνο σφύζουν από ζωή. Αλλά αυτό που είναι πιο ενδιαφέρον είναι ότι οι ίδιες οι φιγούρες φαίνεται να είναι εξωτερικά ήρεμες, δημιουργώντας μια συναρπαστική ένταση.

Ying Li, “Roger”, 2009, κάρβουνο σε χαρτί, 32 x 26 ίντσες Η εικόνα είναι ευγενική προσφορά του καλλιτέχνη

Τόσο η “Claire” και ο “Roger” φαίνονται ήρεμοι. Η Κλερ έχει τα μάτια της κλειστά και ο Ρότζερ στέκεται ακίνητος, με το βλέμμα του καρφωμένο υπομονετικά μπροστά, καθώς απλώνει χαλαρά το ένα του χέρι πίσω από το κεφάλι του. Ωστόσο, και τα δύο θέματα, και οι χώροι γύρω τους, μοιάζουν να ζωντανεύουν ως γραμμή. Κατανοούμε τις μορφές τους ως ιδιαίτερες πυκνότητες γραμμών, σημαδιών και σκαριφημάτων που συνενώνονται σε μορφή.

Τα σχέδια του Radell αισθάνονται κινητικά, οι φιγούρες του μοιάζουν να στροβιλίζονται και να χορεύουν στο διάστημα. Χρησιμοποιεί επίσης χρώμα, αλλά δεν περιορίζεται στις γραμμές του σώματός του, προσθέτοντας την αίσθηση ότι κινούνται στο χαρτί. Τα σχέδια του Carr μοιάζουν περισσότερο με μελέτες φιγούρων για τους πίνακές του, επομένως νιώθετε προπαρασκευαστικά παρά λειτουργούν από μόνα τους.

Mark LaRiviere, «In the Time of Corona IV», 2021, στυλό και Wite-Out σε χαρτί, 9 x 12 ίντσες Φωτογραφία από την Erin Little

Τόσο τα σχέδια όσο και τα γλυπτά του LaRiviere είναι τα κυριότερα σημεία της παράστασης. Φτιαγμένα με στυλό, τα σχέδια απεικονίζουν τρομερή επιδεξιότητα και ρευστότητα. Δύο είναι ξεκάθαρα φιγούρες από κλασικούς πίνακες, οι άλλες πρωτότυπες συνθέσεις. Όλα τηλεγραφούν μια αίσθηση ότι δημιουργήθηκαν σε ένα ενιαίο κάθισμα χρησιμοποιώντας μια συνεχή γραμμή κυκλοφορίας. Μου θύμισαν το αέναο σχέδιο που έκανα ως παιδί με τον παλιό μου Σπυρογράφο (την κυκλική του κίνηση, όχι τον αυτοματισμό). Ένα υπέροχο κομμάτι με κόκκινο στυλό, το “In the Time of Corona IV”, μοιάζει σχεδόν με μια κλασική σύνθεση λουομένων.

Και τα γλυπτά του – ανεξάρτητα από το μέσο – έχουν μια υπέροχη αίσθηση του μοντελοποίησης στο χέρι. Οι κεραμικές φιγούρες με λευκά τζάμια είναι ιδιαίτερα ενδιαφέρουσες γιατί αντιπροσωπεύουν ακατέργαστες λήψεις της παλιάς τέχνης λευκό της Κίνας, οι λευκές κινεζικές φιγούρες από πορσελάνη που προέρχονται από τη δυναστεία των Μινγκ. Αυτοί οι πρόγονοι ήταν ευαίσθητοι και τέλεια διαμορφωμένοι. Αλλά ο LaRiviere κάνει κάτι πιο εξπρεσιονιστικό μαζί τους που τους δίνει τρομερή απτική παρουσία παρά το μικρότερο μέγεθός τους.


Χρησιμοποιήστε την παρακάτω φόρμα για να επαναφέρετε τον κωδικό πρόσβασής σας. Όταν υποβάλετε το email του λογαριασμού σας, θα στείλουμε ένα email με έναν κωδικό επαναφοράς.

About the author

admin

Leave a Comment